• Дарья Калачева

Это возмутительно! Самые скандальные арт-объекты конца XIX – начала XX века

Или Как арт-скандал положил начало концептуальному искусству.

Внутри мира искусства всегда разворачивались оживлённые дискуссии, бурные споры и даже маленькие арт-войны. Последняя из них затронула ЛГБТ-активистку и художницу Юлию Цветкову.


Арт Юлии Цветковой, который она опубликовала в обращении к тем, кто её поддерживает. Источник: Facebook

Этот конфликт служит одним из самых свежих и наглядных доказательств того, что споры об искусстве – давно не привилегия элиты, мыслителей или самих творцов, а неотъемлемая часть социальной жизни. Люди размышляют, обсуждают, комментируют – всё это привычно и нормально.


История искусства полна примеров, когда полемика вокруг работ художников была настолько горячей, что перерождалась в скандал. Сегодня мы решили рассказать вам о трёх самых скандальных арт-объектах конца XIX – начала XX века, о том, кем были их создатели и как конфликты вокруг их работ повлияли на развитие художественной мысли в эпоху зарождения концептуального искусства.

Эдуард Мане – «Завтрак на траве» («Купание»), 1863

Мане написал «Завтрак на траве» в 1863 году специально для Парижского салона – самой престижной художественной выставки во Франции. Участвовать в ней было обязательным условием для всех художников, желавших стать узнаваемыми. Мане надеялся, что его картины смогут увидеть тысячи ценителей искусства со всего мира, однако ни одну из них не допустили к экспозиции. Жюри посчитало работы художника недостойными Парижского салона и отказало Мане в выставке. По разным оценкам жюри не приняло около 3 тысяч полотен знаменитых художников конца XIX века, таких как Пьер Ренуар, Фредерик Базиль и Клод Моне.

По инициативе Наполеона III параллельно с Парижским салоном был организован так называемый «Салон отверженных», в экспозицию которого вошли картины тех, кому не повезло участвовать в официальной выставке. Он привлёк колоссальное внимание публики и прессы: в некоторые дни количество посетителей превышало количество зрителей на Парижском салоне. Одной из картин Мане, представленных среди полотен «отверженных», был «Завтрак на траве» (первоначальное название – «Купание»).


«Завтрак на траве» (Эдуард Мане, 1863)

По академическим меркам искусства второй половины XIX века, всё в картине Мане было неправильно. Композиция резко нарушалась за счёт слишком крупной женщины на заднем плане. Обнажённая фигура впереди представлялась в безвкусном бытовом свете: она бесстыдно смотрела прямо на зрителя, не пытаясь скрыться и не выражая ярких эмоций, как и мужчины, сидевшие подле неё. Сюжет картины вызывал множество вопросов: почему женщина раздета? Как она может сидеть в обществе двух молодых мужчин? Почему купальщица сзади них никого не смущает? Всё это раздражало публику.


Кроме вопросов к сюжету картины, у зрителей возникало множество сомнений в технике её написания. Нарочито крупные мазки Мане создавали впечатление небрежности и неряшливости, которое не понравилось людям, привыкшим к тонкой эстетике и изящной художественности. Тогда мало кто из обывателей мог предположить, что напускная «неаккуратность» художника станет отдельным стилем мировой живописи, который назовут импрессионизмом.


«Олимпия» (Эдуард Мане, 1865)

Мане обвиняли в бесталанности, отсутствии стыда и хорошего вкуса, однако в то же время на него обратили внимание. Благодаря «Салону отверженных» общество узнало о Викторине Мёран – французской художнице и любимой модели Мане. В 1865 году она снова появилась обнажённой на картине «Олимпия», что тоже стало скандалом в творческих кругах. Так в традиционном французском искусстве начались перемены, которые позже привели к смене эстетических ценностей и зарождению новых художественных стилей.

Казимир Малевич – «Чёрный квадрат», 1915

История одной из самых скандальных картин русского авангарда «Чёрный квадрат» Казимира Малевича немного напоминает историю «Завтрака на траве».

Малевич, как и Мане, готовился представить несколько своих картин на особой выставке – это была футуристическая экспозиция «0,10» в Петербурге. По одной из версий, художник не смог написать достойную картину и замазал полотно чёрной краской. Стоит подчеркнуть, что это только одна из гипотез развития событий: в 2015 году сотрудники Третьяковской галереи обнаружили следы других красок под чёрным слоем.


«Чёрный супрематический квадрат» (Казимир Малевич, 1915)

Таинственна не только история создания «Чёрного супрематического квадрата», но и его форма и содержание. Если внимательно приглядеться, то можно увидеть, что «квадрат» Малевича – это вовсе не равносторонняя фигура: она скорее напоминает прямоугольник, причём не совсем пропорциональный. Его стороны попарно не параллельны друг другу и внешним границам холста. Это что-то принципиально новое, выходящее за рамки привычного нам понимания геометрии.

Вместе с «квадратом» на выставке в Петербурге Малевич представил «Чёрный круг», «Чёрный крест» и «Красный квадрат». Это было попыткой собрать супрематическую коллекцию фигур, уйти от традиционного понимания высокого искусства и выразить суть беспредметного художественного стиля. Работы Малевича – это резкий акт самовыражения и вызов традиционным ценностям в мире искусства, и не только в нём, учитывая исторический контекст происходившего. 1915 год – всего два года до Октябрьской революции, которая сломает большинство традиций дореволюционной жизни и установит свои.


«Красный квадрат» (Казимир Малевич, 1915)

После «Чёрного квадрата» и «Красного квадрата» из-под кисти Малевича вышла ещё одна похожая картина – «Белый квадрат» (конечно же, он тоже не был квадратом в прямом значении этого слова). Вместе они составили супрематический триптих. Малевич утверждал, что цвета фигур обозначают экономию (чёрный), революцию (красный) и «чистое действие» (белый) и несут глубокий внутренний смысл. Так, творчество художника действительно вышло за рамки традиционного искусства и стало широким жестом в политической и социальной жизни российского общества начала XX века.


Если тайна «Чёрного квадрата» завораживает вас настолько, что хочется узнать о полотне побольше, то мы советуем посмотреть мультсериал «Чёрный квадрат» – в нём простым языком рассказывается о картине Малевича и об истории её создания.


Марсель Дюшан «Фонтан», 1917

Если Малевич презирал предметный мир с его железным порядком и чёткой структурой, то Марсель Дюшан в то же время пытался вывести восприятие бытовой жизни на качественно новый уровень. Об этом говорит его всемирно известная инсталляция в технике реди-мэйд (от англ. ready-made ­– готовое, не сотворённое руками автора) под названием «Фонтан».


«Фонтан» (Марсель Дюшан, 1917)


Речь идёт о том самом перевёрнутом писсуаре с надписью «R. MUTT 1917», который вы могли видеть в книгах об искусстве и в интернете.


Предметом искусства писсуар стал в 1917 году, когда художник решил использовать его на выставке Общества независимых художников. Но в последний момент ему отказали в экспозиции без объяснения причин. Тогда Дюшан перенёс «Фонтан» в студию американского фотографа Альфреда Стиглица. Он сфотографировал писсуар и предложил фотографии нью-йоркской газете The Blind Man, которая поддерживала дадаизм (одно из течений авангарда в искусстве начала XX века – прим. ред.). Публикация писсуара была смелым и грубым шагом и потому привлекла внимание не только американской публики, но и других художников-авангардистов, а также художественных критиков.


Загадку «Фонтана» пытались разгадать многие, но сам Дюшан говорил, что его работа – это насмешка над авангардом, который бессилен в своей попытке открыть новые стили и изменить зрительское восприятие. Как бы то ни было, скандал вокруг дюшановской инсталляции породил множество споров о том, каким должно быть «настоящее» искусство, а также положил начало концептуализму, который и сейчас занимает тысячи художников, скульпторов и дизайнеров по всему миру.


В 2004 году полтысячи британских деятелей культуры провели голосование и признали «Фонтан» Марселя Дюшана самым влиятельным произведением искусства XX века. Сейчас его репродукции (оригинал потерян) находятся в крупнейших музеях всего мира: Центре Помпиду в Париже, галерее Тейт Модерн в Лондоне, Музее современного искусства в Сан-Франциско и других.


Скандалы в мире искусства конца XIX – начала XX века многократно ускорили процесс расширения рамок возможного. На примерах работ Мане, Малевича и Дюшана мы видим, как благодаря столкновению различных мнений рождались новые художественные стили и целые направления живописи. Не это ли главный аргумент в пользу того, что искусство во все времена должно быть свободным и открытым для всех?

Последние посты

Подпишитесь на нас

  • Instagram
  • Facebook Социальной Иконка